En una entrevista me preguntaron dónde está España en su obra y conteste: “España esta ahí; España siempre esta ahí.”

Por Guillermo Pescador

Gema Álava es una artista española que desde hace unos años reside en New York, tiempo en que su obra ha ido exhibiéndose en los principales museos y galerías de esta ciudad. Sus obras actualmente reconocidas y consideradas por expertos en arte, han sabido captar también el interés de inversionistas.

¿Por qué decide fijar su residencia en EEUU?

Gema Alava - Nets.2008

¿Es imprescindible pasar por New York para ser un artista reconocido?

Un artista reconocido… Depende si quieres ser reconocido por tu familia, por la gente de tu barrio, de tu país, de Asia, del mundo entero… Imagino que para que tu obra sea reconocida en Nueva York, hay que pasar por Nueva York.

Iberarte la conoció con motivo de una conferencia suya en los `Cursos de Verano de la Complutense´ en Madrid, ¿viene frecuentemente a España por motivos de trabajo?

Pues la verdad es que no. Y me encantaría venir más. A ver si alguien se anima después de leer esta entrevista. Hay un par de cosas en el aire: La Fundación La Caixa está echando un vistazo ahora mismo a uno de mis proyectos. La exposición que inauguro con otros siete artistas españoles en el Instituto Cervantes de Nueva York este Septiembre, va a viajar y me parece que una de las paradas es Madrid, no estoy segura. Es curioso que me preguntes esto porque uno de los motivos de la exposición en el Cervantes, es exactamente el de promocionar el trabajo de los artistas españoles que residimos en Nueva York.

¿Podría adelantarnos algo más sobre la exposición en el Instituto Cervantes, sobre que trata su obra y cuándo se inaugura?

La exposición se titula “New York: Motion. 1.0.” Se inaugura el 23 de Septiembre y estará abierta al publico hasta enero del 2009. Está comisariada por Paco Cano y Elvis Fuentes, comisario del Museo del Barrio en Nueva York. Han invitado a ocho artistas españoles que residimos en Nueva York, nacidos en los sesenta y setenta. Los otros artistas son Teo González, Abigail Lazkoz, José Lerma,  Lluis Lleó, Ester Partegás, Itziar Okariz y Fernando Renes. Todos ellos son estupendos, ya había coincidido antes, en otras exposiciones, con Teo y Ester. El concepto de Elvis y Paco es muy bueno, piensan que nuestra generación tiene mucho que decir y les parece interesante el punto de vista del artista español que vive en Nueva York, en el fondo somos todos una especie de híbridos. Estoy encantada de formar parte del equipo. Creo que la muestra va a tener muy buena repercusión.

Mi pieza se titula “Tell Me a Lie”, “Cuéntame una Mentira”. La seleccionaron Paco y Elvis cuando vinieron al estudio. Es una instalación montada directamente en la pared, hecha con papel, oro, alfileres e hilo. Tiene forma ovalada y mide casi tres metros de ancho. Es una versión de una pieza que fue encargada por el Centro Juan Carlos I de New York University en el 2006.

¿Cómo sobrevive un artista hoy día? ¿Qué o quiénes son los mecenas del arte?

Se lo preguntare a Teo y a Ester cuando les vea a ver qué contestan… Hay que ser constante y organizarse muy bien. Hay que distribuir el tiempo entre el estudio, la familia, los trabajos que podamos tener, los viajes, las inauguraciones y contestar los e-mails, por supuesto…

Los mecenas del arte son muchos y muy variados pero no siempre es fácil acceder a ellos. Lo primero que hice yo, cuando llegué a Nueva York, fue mandar propuestas a convocatorias para artistas emergentes; así es como se denomina al artista que lleva unos años intentando sobrevivir, como dices tú. Recuerdo muy bien la sensación de no conocer absolutamente a nadie en Nueva York antes de enviar esos sobres. Me admitieron en los dos programas a los que envié mi información, y eso me abrió bastantes puertas. Y una cosa lleva a la otra: comisarios de arte ven tu trabajo en las pareces de los museos, te invitan a otros proyectos… Pero, al final, todo depende de tu trabajo. Hay que trabajar duro: Si el mecenas llega y el trabajo no esta a la altura, se te va el mecenas. Los artistas debemos ser sinceros con nosotros mismos, y eso no es tan fácil como suena. Los coleccionistas juegan también un papel muy importante. Los buenos coleccionistas pueden ser unos fantásticos mecenas.

Pero… también es verdad que muchos de los mejores proyectos artísticos a lo largo de la historia se han hecho, se están haciendo, y se harán sin mecenas. Hay un diálogo, entre Alejandro Magno y Diógenes, que tiene mucho que ver con este tema: Diógenes era un hombre muy sabio que decía que podía vivir sin nada y deambulaba por las calles envuelto en un barril. Alejandro Magno le buscó y le preguntó: “Diógenes, he oído decir cosas maravillosas sobre ti. Hay algo en lo que te pueda ayudar?” “Si.” Respondió Diógenes: “Podrías moverte un poco hacia un lado para que me siga dando el sol.”  Alejandro se quedó muy sorprendido, miro a sus oficiales y les dijo: “Decid lo que queráis, pero si no fuera Alejandro, querría ser Diógenes.” Creo que hay una lección muy importante en esa historia.

Gema Álava - Tell Me a Story

¿Cómo se valora en EEUU el arte español?

Esa es una pregunta tan interesante… arte español… Puedo hablar de cómo se valora el trabajo de artistas españoles que conozco, pero no sé qué decirte respecto al concepto de arte español… Me pregunto si existe hoy en día esa definición y, si la hay, qué significa realmente. ¿Es español el arte que se crea en tierra española aunque el artista haya nacido en Alemania? ¿Es español el arte que crea el madrileño que lleva viviendo veinte años en México? ¿Cuál es la definición? Puede el arte español dejar de serlo? ¿Cuándo dejaría de serlo? Hoy en día el artista puede llegar a viajar mucho, somos esponjas que absorbemos experiencias tan distintas y al final te preguntas: ¿Realmente dónde encajo yo? Se habla ahora tanto de globalización, de departamentos multidisciplinarios… Hace un año, durante una entrevista con una cámara de televisión delante me preguntaron que dónde estaba España en mi obra y conteste: “España está ahí; España siempre está ahí.” Y la verdad es que no puedo pensar en otra respuesta mejor.

En mi experiencia, la valoración del trabajo de artistas españoles, o mexicanos, o coreanos, reside en la capacidad de aceptación que esa obra establezca por los motivos que sean; quizá el trabajo nos hace prestar atención a nuevos focos de interés, quizá profundiza en un determinado concepto que consideramos interesante hoy en día. Es verdad que hay actualmente ciertas culturas que llaman la atención más que otras; si eso influencia en la valoración de la obra, ya es otra historia. Es todo tan relativo.

Ud. trabaja como educadora de museo. Nos interesa mucho tu trabajo con los niños ¿podría decirnos en qué consiste y si se aprende enseñando a los niños?

La verdad es que me considero una afortunada por trabajar en los departamentos de educación de los museos en los que trabajo… Aprendo mucho de ambas audiencias, niños y adultos. Los niños son maravillosos, te cuentan lo que piensan, lo que sienten, no han perdido la capacidad de asombro; tienen esa frescura y sinceridad que es tan importante en la vida y tantas veces se nos olvida. Picasso dijo que, cuando tenía pocos años, sabía pintar como Miguel Ángel pero tardó más de veinte en pintar como un niño. Los niños pintan con el corazón, no con los ojos, dijo.

La labor de una educadora de museo consiste en establecer un diálogo con tu grupo a base de observaciones, preguntas y actividades interactivas. Tenemos muchas reuniones para debatir que técnicas son las que mejor resultado dan, hablamos de las experiencias en las galerías, preparamos el material educativo que se imprimirá más tarde... Es un trabajo muy orgánico. No todos los departamentos de educación de los museos son iguales, yo trabajo en cinco y a veces me da la sensación que soy una espía. Es un trabajo perfecto para una artista, nos pagan por estar hablando en las galerías sobre lo que se ve en ellas, por charlar con los comisarios de los museos cuando estos están cerrados al público, nos regalan los catálogos... No se puede pedir más.

Gema Álava - Tell Me The Truth

¿En qué museos trabaja?

En el MoMA, el Guggenheim, El Metropolitan, el Whitney y la Morgan Library.

Sus obras son de un gran impacto plástico y visual ¿qué la llevó a la utilización de estos materiales?

La mejor manera de responder sería echarle un vistazo a la obra de los últimos seis años… Hay ahí mucha investigación… Intento trabajar con materiales que encierran una historia. Los coloco o manipulo de tal modo que puedan hablar sobre la historia que llevan consigo. Encuentro extraordinario cómo las personas pueden responder de modo muy distinto ante un mismo material. Me gusta jugar con esta ambivalencia, estas verdades contradictorias. También he descubierto que, justo por eso, porque hay tantas historias asociadas con dichos objetos y también porque tienen su propia estética, son herramientas magníficas para que los espectadores se cuenten historias los unos a los otros. Trabajo con materiales que me intrigan y con los que me encuentro cómoda.

Hemos sabido que uno de sus proyectos ha tenido lugar en el Museo Guggenheim de Nueva York, ¿Podría  contarnos en qué consiste el proyecto y cómo se desarrolló esta  idea?

Te hablaba antes sobre la importancia de la elección de los materiales. Hay una cosa que estos materiales tienen en común, y es una cierta vulnerabilidad. Son materiales que están expuestos al deterioro, que son frágiles pero, aun así, o quizá por el hecho de ser frágiles, pueden transmitir una fuerza que parece no provenir de ellos. Son materiales efímeros en su mayoría, lo que quiere decir que puede que llegue el día en que desaparezcan. Los diálogos pueden ser también efímeros, pero a su vez puede dejar huellas enormes; pueden influenciar decisiones que cambien nuestra vida.

Cai Guo-Qiang, en su ultima exposición en el Guggenheim, creo una convocatoria bajo el concepto: “Everything is Museum”. Las propuestas seleccionadas se expondrían en el Guggenheim. Lo que yo hice fue utilizar esta oportunidad para invitar a Cai directamente a colaborar en mi propuesta, de este modo, si él accedía a colaborar, la propuesta se convertiría en proyecto. Mi propuesta consistía en tener una conversación con él y crear un museo a partir de nuestro diálogo. Y así sucedió. Mi carta escrita estuvo expuesta en el Guggenheim con el resto de las propuestas seleccionadas durante los meses que duró la exposición “I want to Believe” de Cai, y mi proyecto: “Un Diálogo”, tuvo lugar el 21 de Febrero del 2008 a las nueve de la noche en la rampa del museo.

Sobre el desarrollo de esta idea… A principios del 2007, tuve que montar en Londres una de mis instalaciones enfrente de una pintura de Cai y fue una especie de dialogo, eso fue lo que me animó a escribirle. Los diálogos son esenciales para el desarrollo, el aprendizaje, y también permiten poner en contacto diferentes campos: no solo culturales sino también sociales y políticos.

Ahora mismo, animada por la buena reacción de Cai, estoy liada con un nuevo proyecto basado en la importancia del diálogo y en su capacidad para cambiar estructuras que pueden parecer inamovibles a primera vista. Me alegra mucho que las personas a las que estoy invitando estén tan animadas con la idea de participar en él.

¿Y cuándo tendremos el placer de tener una exposición suya en España?

Espero que muy pronto.

¿Existe una página Web donde podamos saber más sobre su trabajo?

Si. Que bien que me lo preguntes, porque la acaban de terminar y estoy bastante ilusionada con la idea, es www.gemaalava.com

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